効率的な音楽制作のためのこのガイドで、創作上の妨げを回避し、アイデアを実行に移しましょう。
あなたが初めてのフル・トラックを完成させようとしている初心者であろうと、これまでにリリースした作品の数々を持つベテランの音楽制作者であろうと、 様々なループ素材で ハード・ドライブが満たされていくと思います。
エレクトロニック・ミュージックは、その性質上、多くの反復とループの上に成り立っているため、フラストレーションを感じるかもしれないが、これはエレクトロニック・ミュージックを作る際にはよくあることです。
トラックに必要なものを把握し、最初のアイデアから広げていくのは大変なことです。
この記事では、今あるものを自然な形で完成させるためのテクニックをご紹介します。
バリエーションを導入する
最もエキサイティングなオプションには見えないかもしれませんが、既存の8小節のループを複製し、複製した部分にバリエーションを加えることは、良い出発点になります。
既存の曲の長さを2倍にするだけでなく、曲が進むにつれて、アレンジをより面白く、変化に富んだものにするのに役立ちます。
パートをリバースしたり、一時停止を加えたり、エフェクトを自動化したり、メロディーのバリエーションをつけたりして、オリジナルのループにユニークなパートBを加えてみてください。
オーディエンスに常に興味を持たせ、エキサイトさせることが重要であることを忘れないでください。
リファレンス・トラックを使う
曲の大前提について漠然としたアイデアしかない場合、どのように進行していくのかが見えにくいことがあります。
この問題を回避するには、リファレンス・トラックを使うのが有効です。
似たようなスタイルのトラックをDAWにドラッグして、プロジェクトのBPMに同期させ、基準になっているトラックのセクションにラベルを付けるトラックマーカーを追加してみてください。
イントロ、ブレイク／ビルド、ドロップ／コーラスなどのトラックマーカーを追加することで、あなたのトラックがたどれるような大まかな構造を自分で作ることができます。
例えば、イントロには軽いパーカッションとパッドやテクスチャーがあるかもしれません。
リファレンストラックの下にMIDIトラックを作成し、対応するセクションのコメントとともに、メイン・ドラムなどクリップの名前を変えてみてください。
これで、あなたの曲をどのようにアレンジできるか、おおまかな目安がつくかもしれません。
決まった構成方法があるわけではありませんので、 このほかにもご自身に合った方法で作業を進めるとよいと思います。
セクションを決める
上記のようなテクニックを使ってトラックの構成をスケッチしたら、さらに一歩進んで、各セクションでどのようなエネルギーや感情を伝えようとしているかを決めます。
別のMIDIトラックを作成し、各セクションであなたが表現したいことに従って名前を変更します。
例えば、32小節目では、テンションを生み出す8小節と、それに続く解放感のある8小節が欲しいかもしれない。
曲に何をいつさせたいかが決まったら、それを達成するために必要な要素を決めることができると思います。
求めるエネルギーや感情を実現する方法がわからない場合は、参考となる曲をいくつか聴いて、他のアーティストが作曲の中でどのように特定の感情を呼び起こしているかをメモしておくといい。
そうすることで、自分の曲全体を通して、エネルギーやヴァイブをどのように進展させたいかについてのロードマップができるはずだと考えています。
トラックやクリップをミュートする
これで、作曲の流れを指示するためのいくつかの道しるべができたので、いよいよアレンジを始めましょう。
アレンジを始めるにあたって適した方法は、すべてのトラックやクリップをミュートし、要素を入れたり出したりして、それらがどのように協調するかを試してみることです。
さまざまな構成のトラックを試聴することで、イントロ、ビルド、ドロップ、その他のセクションをどのように構成するか、いくつかの選択肢が得られます。
4小節のセクションを複数作り、トラックのエネルギーを高めながら、徐々にパートを増やしていきましょう。
新しいパートを導入する前に、1、2小節だけ特定の音をミュートしてみると、アレンジが面白くなり、聴き手に変化が迫っていることを示すので、緊張感が生まれます。
もちろん、アレンジに何かが足りないと思ったら、エフェクトやオートメーションを使ってサウンドのトランジションを作ることも効果的です。
サビからアレンジを始める
常識的には、トラックを最初から始めて、時系列的に作業するのが、アレンジにアプローチする最も論理的な方法です。
しかし、曲の構成要素の大半は準備できているにもかかわらず、ループの制約から抜け出せない場合は、サビから始めるとマンネリから抜け出せるかもしれません。
先ほどスケッチしたトラックの青写真で定義したように、トラックのすべてのパーツを最初のサビの始まりに配置してみてください。
サビは、トラックの中で最もエネルギーがあるセクションの1つになる可能性が高いので、すべての、またはほとんどの素材を演奏したままにしたいと思うでしょう。
この方法では、サビから他のセクションへと逆算することが可能になります。
トラックの中で最もエネルギーが高いサビの瞬間がどのように聞こえるかがわかったので、アレンジを組み替えて、ビルドアップやイントロを通してそのポイントへのルートを見つけることができると思います。
サビが決まれば、トラックの目的地がわかるので、時系列順に作業を進めることもできると思います。
ブリッジをオートメーション化する
突然、トラックの一部をアレンジに入れたり抜いたりすることは、インパクトや緊急性を生み出すのに適していますが、新しいアレンジをゆっくりとミックスに入れ、ブリッジなどで期待感を生み出すこともアレンジでは有効です。
このテクニックには、オートメーションを使うと効果的です。
サウンドのボリュームやフィルターのカットオフをオートメーション化して、そのサウンドをゆっくりと導入してみてください。
これはトラックに緊張感を与えるだけでなく、単にミュートしたりミュートを解除したりするだけでは得られない、徐々に進化していく感覚を与えることができます。
例えば、リバーブのミックスをオートメーションして、遠くのかすれたテクスチャーが徐々に明瞭度を増し、完全にドライになってミックスの中で際立つようにすることもできます。
ランダム化を試す
多くのDAWやプラグインには、ジェネレイティブ、ランダム、または確率的な機能があり、プロダクションのパートを人間的に変化させることができます。
例えば、Ableton Liveでは、ノートがトリガーされる確率を調整したり、ノートがヒットするベロシティの範囲を設定したりできます。
これは、ミュージシャンが実際のインストルメントを演奏する際のベロシティを再現するためのものです。
さらに、選択したパラメーターに同期していないLFOやランダムなLFOを割り当てることで、トラックが常にシフトやモーフィングしているように聞こえ、トラックのマンネリ化を防ぐことができます。
エフェクトのセンド量やディレイのフィードバックにLFOをアサインし、最初のLFOのレートやデプスに別のLFOを追加すれば、繰り返しの少ない、実に変化に富んだモジュレーションが得られます。
迷ったらパートを整理する
最近のDAWのほとんどは、何らかの形で複数のバージョンや特定のパートのテイクを1つのトラック内に保存し、それぞれの最良の部分を1つの完全なフレーズにまとめることができる機能を備えています。
主な用途は、ボーカルやギターなど、演奏されたレコーディングの最も良い部分をつなぎ合わせることですが、別の用途もたくさんあります。
そのような使い方の1つは、パートのバリエーションをきちんと整理して保存し、アレンジのさまざまなセクションで呼び出すことです。
例えば、3つのメロディ・バリエーションを持つシンセ・ラインがある場合、そのうちの2つをテイク・レーンに保存しておけば、プロダクションの特定の時点で、素早く簡単に選択して再生することができます。
つまり、非破壊的な方法でトラックのバリエーションを創造的に変化させながら、プロジェクトをすっきりと整理整頓して、散らからないようにできるのです。
適度に休憩する
これは、アイデア出しの段階でスランプに陥っている場合でも、次のヒット曲を構成している場合でも、アレンジを終えたトラックをミックスしている場合でも、クリエイティブ・プロセスの多くの段階で有効なアドバイスです。
何度も何度も聴いている曲の見通しを立てるのが難しいこともありますし、無理に進めるとプロジェクト全体を破壊することにもなりかねません。
ループを思い通りの方向に発展させるために、これまでお話ししたポイントを参考にしてみてください。
同様に、友人や仲間に意見を求めてみるのもいいでしょう。
あなたのプロダクションが初めて聴く人にどのように聞こえるかについて、有益な洞察を与えてくれることがあります。
多くの場合、部外者の視点は、あなたが最初のハードルを越えるために必要なものだと思います。
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